마티스를 떠올릴 때 가장 먼저 떠오르는 생각은 두 가지였다. 첫째는 두 번의 세계대전을 겪고도 희망을 그린 작가, 둘째는 컷아웃(Cut-out) 기법으로 형상의 추상화를 꾀한 작가.

 

이제는, 세 번째 생각도 하게 될 것 같다. '재료의 한계를 예술이라 알려준 작가.'

 

 

 

재료는, 작업의 성격과 과정, 도착지를 어느 정도는 미리 결정한다.

 

컷아웃을 예로 들면, 주어진 재료는 종이와 가위다. 그러므로 거쳐야 할 과정은 자르고, 붙이고, 조합 및 구성하는 행위가 될 것이다. 작업의 결과는 어떤 형태를, 얼마나 단순하게 혹은 정교하게 표현할지에 따라 달라질 것이다. 마티스의 작업을 잘 보면, 한 번에 자른 종이가 아니라 여러 군데 덧댄 흔적이 보인다. 단순하지만 그 안에서도 형태를 고쳐나가며 다듬었다는 사실을 알 수 있다.

 

색종이를 잘라 그림책 한 권을 만들어 본 적 있다. 미리 스케치를 하고 가위로 천천히 종이를 자를 때, 자르는 선은 늘 연필 선보다 얇았다. 아무리 얇게 그은 선이라 하더라도, 그 연필 선 사이로 가위를 들이대면 자국은 남았다. 한 가지 어려움이 더 있었다. 바로 연필 선대로 똑같이 자르기도 어렵다는 것. 나중엔 연필을 비켜 가더라도 그대로 잘리게 가위를 움직이게 되었다.

 

컷아웃 기법으로 만든 작품에서는, 형상을 완전히 기획하려는 의도를 비켜나가는 지점에서 아름다움이 탄생하는지도 모르겠다. 마티스의 경우에도 이 과정적 특성이 작업에 반영되었거나, 그가 이용했으리라 짐작한다.

 

예를 들어 검은 몸 주변에 섬광이 반짝이는 작품, <이카루스>는 저 몸이 그림자인지, 까맣게 탄 재일지 가늠해보는 상상의 자유를 제공한다. 완전히 통제하지 않은 형태와 강한 대비의 색상이 화려하게 시선을 사로잡는다. 붉은 왼쪽 가슴의 심장은 아직 타오르고 있나, 뜨겁다면 아플 것도 같다. 정확히 무엇인지 모르지만, 알 것 같은 상태로 시선이 그림에 머문다.

 

재료의 한계가 예술이 되는 순간이다.

 

 

푸른누드Ⅱ, 2007

work by Henri Matisse ©Succession H.Matisse

 

 

마티스가 종이와 가위를 잡은 시기가 거의 말년이었다는 사실도 주목할만하다. 전시 첫 번째 섹션인 '오달리스크 드로잉'에서도 확인할 수 있듯, 이 시기 그가 그린 여인의 형상은 말년의 작업 <블루 누드>에서도 비슷하게 발현하고 있음을 알 수 있다.

 

또한 형태는 완전히 다르지만 컷아웃 작품에서 볼 수 있는 다채로운 색상은, 그가 유화를 그릴 때도 썼던 색채다. 재료와 기법, 스타일에 변화를 꾀할 때 그가 이전의 작업을 연장하고 발전시켰음을 알 수 있다.

 

이미 수많은 드로잉과 유화, 판화 작업을 시도한 마티스에게 컷아웃 작업은 두렵지 않았을 것 같다. 오히려 색다른 언어를 찾았다는 사실에 자신도 기쁘지 않았을까.

  

실내를 가득히 정원처럼 컷아웃 작품으로 꾸민 마티스는, 이후 이 작업을 그대로 판화로 옮겨 책으로 엮는다. 만약 컷아웃 상태로만 작품이 머물렀다면 마티스 집을 그대로 보존하지 않는 이상 전시에서 작품 관람은 어려웠을 것이다. 다시, 컷아웃 작업이 판화로 옮겨져 지금 우리 곁에 있다는 사실이 재밌다.

 

의도가 분명하면 재료의 한계는 문제가 아니다.