2016.12.03 ~ 2017.03.05

예술의전당 한가람미술관 2층

 전시장에 들어서면 가장 먼저 벽에 커다랗게 인쇄된 '알폰스 무하'를 만날 수 있다. 입에 물고 있는 시가렛과 턱선을 따라 자라있는 수염. 사다리에 앉아 어딘가를 응시하는 모습에서 예술가의 포스 같은 게 느껴져 따라 팔짱을 낀 채 전시장을 들어섰다.

 앞서 전시를 기대하게 된 이유를 덧붙이면 나 또한 그림을 그리는 '작가'이기 때문이다. '작가'라는 이름을 가지고 있지만 계속해서 그림에 대한 고민을 하고 배워야 한다. 알폰스 무하의 화풍을 동경하면서 제대로 알지 못하고 있었기에 이번 전시는 더욱 나 자신에게 중요한 경험이 될 것이라는 생각으로 전시에 입장하였다.

 약 300여점의 작품은 크게 6부로 나뉘어진다.

 1부 프롤로그 '무하 스타일을 완성하다' 에서는 무하의 생애와 경력을 간략히 보여준다. 그가 모라비아에서 받았던 교육과 19세기 마지막 20년 동안 비엔나, 뮌헨 그리고 파리의 예술적이고 문화적인 현상들을 강조하며 '무하 스타일'의 기초를 세우는데 영향을 미친 요소들을 볼 수 있다. 무하의 사진, 그의 가족 사진과 교육 시절 다른 작가나 모델들과 함께한 사진들을 보며 한 역사에 이렇게 이전의 기록들이 남아있다는 점에 부러움이 생겨났다. 예술가로서, 그의 삶이 후대에도 남겨질 수 있다는 것들이 부러웠다. 그러면서 나도 언젠가 기록에 남아도 괜찮을 작가가 되고 싶다는 희망도 품어보았다.

 2부 '스토리텔링의 예술' 에서는 무하 스타일의 주요 요소 (연극적, 서술적, 순차적 표현들)를 보여주면서, 일러스트레이터로서 무하의 업적을 보여준다. 1880년부터 이어진 체코 풍자 잡지에 실린 만화와 삽화를 포함하여 파리거주 이전 작품, 그의 작품 관련 연구들에 따라 디자인하나 책과 잡지들이 전시되어 있었다. 무하 스타일을 보며 계속해서 떠올린 건 그 자체가 '포토샵' 같다는 생각이었다. 복잡한 패턴과 정확한 구도들은 보통의 집중력 없이는 불가능한 것들이었다. 요즘은 포토샵이나 사이툴 등 많은 프로그램이 있어 작업이 쉽지만 그 당시 수작업으로 이런 패턴과 디자인을 할 수 있다는 점에서 놀라지 않을 수 없었다.

 3부 '광고 예술' 에서는 1895년 1월 1일, 파리 광고판에 선보인 무하의 <지스몽다> 포스터를 볼 수 있는데. 이 포스터는 즉시 대중의 찬사를 받았다. 1896년과 1904년 사이 F.샹프누아 출판사를 통해 100개가 훌쩍 넘는 포스터 디자인을 독점적으로 발간하였다. 이는 아르누보 스타일의 대표주자로서 무하의 명석을 확립하게 했다. 세세한 그림을 다작하며, 그 디자인이 진부하거나 대중에게 지루함을 주지 않고 매번 새로움과 감탄을 줄 수 있는 무하의 능력에 다시 놀라움이 튀어올랐다. 더하여 1890년대 후반 무하가 아르누보 장인으로 발돋움하는 과정을 이어 볼 수 있었다.

 4부 '만인의 예술가' 에서는 무하의 예술관을 볼 수 있다. 예술가는 예술의 힘으로 세상을 더 좋은 곳으로 만들 수 있다고 믿었던 무하는, 1898년 프리메이슨에 가입하는 등 많은 사회 개혁 조직에 참여했으며 '미술의 대중사회'가 시작한 예술 교육 프로그램을 포함한 다양한 프로젝트를 지지했던 흔적들을 볼 수 있다. 4부에서 무하가 단순히 작품만을 창조하는 사람이 아닌 예술을 통해 세상을 바꾸려고 한 그의 예술관과 그 실천들을 볼 수 있었는데, 이를 보며 작가가 되기 이전부터 내 스스로 가졌던 작품관을 상기하는 기회를 가질 수 있었다. '나의 그림을 보고 사람들이 자유롭게 상상하며 많은 생각을 가지게 하고 싶다.' 라는 나만의 예술관. 어떤 하나의 주제를 정해 연작을 그릴 때면 늘 한번 쯤 되새기곤 하는데 전시에서 한 번 더 나의 예술관이 굳어지는 것과 더불어 나 또한 내 작품을 통해 세상에 어떤 자그마한 영향이라도 줄 수 있기를 바라는 새로운 다짐이 덧붙었다. 그리고 아르누보 스타일과 동일시되는 무하의 장식 패널 작품들과 이 장식 패널들이 성공할 수 있었던 문화적 맥락을 볼 수 있다. 또한 '무하 스타일' 뒤에 감춰진 예술적 철학과 디자인 원칙에 영향을 준 무하의 유심론에 대해 알 수 있는 부분이었다.

 5부 미(美) - '일상생활의 영감' 에서는 장식 패널에서 더욱 확장되어 무하의 제품과 패키지 디자인, 수공업자와 제조업자들을 위한 디자인 안내서인 [장식 문양집(1902)]과 [인체 장식집(1905)]을 보여준다. 또한파리 보석상인 조르주 푸케와의 협업, <백합의 마돈나 (1950)>, 그리고 파리 거주 시절 후반부의 작품들을 보여주며 종합 예술에 대한 무하의 사상을 알 수 있다.

 6부 에필로그 - '무하 스타일' 이후의 이야기 에서는 그 당시에서 이어져 현대 무하의 영향을 받은 한국과 일본 만화가들의 작품들을 전시해두었다. 한국의 고야성, 임주연, 추혜연 작가와 더불어 일본의 이즈부치 유타카와 클램프의 작품들이 러프부터 발매 된 실물 만화책 등 다양하게 전시된 것을 볼 수 있었다. 이를 통해 알폰스 무하와 현대 만화 사이의 연계성 (실질적으로 예술의 연장선)을 생각해보는 전시 부분이라 할 수 있다.

 300여 점의 세세하고 화려한 작품들을 보고 나오자 어느새 2시간이 훌쩍 지나있었다. 나오자마자 보란듯이 위치한 MD샵을 그냥 지나치지 못하고 결국 고민하다 엽서 3장을 구입하였다. 알폰스 무하는 예술가이자 디자이너이며, 선구자이다. 그의 그림은 단순한 감상의 목적으로 끝나는 것이 아니라 실생활에 적용되었고, 사람들의 찬사를 받았다. 어떤 디자인이나 그림이 세상에 나와 사람들의 이목을 끄는데에는 이유가 있다. 그 디자인 혹은 그림이 다수의 사람들의 수요에 적합하다는 이유가 가장 크다고 생각한다. 그 수요에 맞으면 사람들은 소비로 표현을 한다. 소비가 되면 그 작품은 한 사람이 아닌 여러 사람 혹은 지역, 나라에 퍼지게 되고 하나의 '트렌드'가 된다. 알폰스 무하는 그 시대에 벌써 그러한 점들을 깨닫고 지향한 선구적인 사람이라 할 수 있다.

 엽서를 구매하고 다시 추운 공기를 뚫고 걸어가며 전시를 '잘' 봤다에서 끝나는 게 아니라 앞으로 나의 작업에서도 이러한 부분을 고려해야겠다는 생각을 하게 되었다. 단순히 잘 그린 예쁜 그림이 아니라. 내가 가지고 있는 예술관을 전달할 수 있으면서도 넓게 영향을 줄 수 있는 그런 그림이, 작가가 되어야겠다. 단순히 한 전시를 본 것이 아니라 자극을 받고 제대로 알지 못하던 한 시대의 예술가를 바로 볼 수 있는 뜻깊은 기회였다.

 꼭 작가가 아니더라도. 한번 쯤 교과서나 매체에 노출되어 익숙한 화풍의 시초이자 선구자인 알폰스 무하의 작품과 그의 생애를 경험해 보는 것이 어떨까 생각해본다. 여담이지만, 알폰스 무하의 작품으로 만들어진 제품들이 예뻐서 전시가 끝난다면 손에 나도 모르게 하나 정도는 들고 있는 이상한 경험도 하게 될 것이다.