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고흐, 피카소, 모네, 앤디 워홀… 미술을 잘 모르는 이들에게도 익숙한 이름들. 이름만으로도 마음이 설레는 작가들이 한데 모였다.

거장들의 원화를 한 자리에서 볼 수 있다는 것만으로도 망설일 이유가 없는 전시, <모네에서 앤디워홀까지>.

처음에는 단지 클로드 모네의 그림을 보기 위해 간 전시였지만, 서양 미술사의 교차점과 한 세기 미술사의 핵심 장면들을 볼 수 있어 만족스러운 전시였다. 거장들의 작품은 물론, 1층부터 지하 1층까지, 쉴 틈 없이 등장하는 작품들에 바쁘고도 행복한 시간이었다.

이번 전시는 남아프리카 공화국에 위치한 요하네스버그 아트 갤러리의 주요 소장품이 국내에 소개되는 특별전이자, 총 143점의 작품을 선보이는 대규모 기획전이다.

많은 작품 수에도 불구하고, 잘 짜여있는 동선과 전시 섹션은 물론, 안내 책자와 소규모 체험 공간까지. 9개로 나뉘어진 전시 섹션 중 특히 좋았던 부분은 인상주의를 중심으로 나뉘어져 있는 전시 구성이었다.

인상주의는 전통적인 회화 기법을 거부하고 빛과 색채의 순간적 효과와 질감 등을 중시하여 자연을 묘사하는 미술 사조라고 한다. ‘불변하는 대상이 아닌 짧은 순간을 캔버스 안에 넣는다’라는 해설이 참으로 어울리는 ‘인상주의를 중심으로’ 섹션에서는 다양한 풍경을 마주할 수 있었다.

붓질 하나하나에 순간을 담아내고자 했던 그림들, 걸려있는 액자 속에 담긴 풍경들은 눈이 아닌 공기로 다가왔다. 클로드 모네의 ‘봄’에서는 상냥한 햇빛과 기분 좋은 풀 내음이 느껴졌고, 알프레드 시슬리의 ‘브뇌 강가’에서는 쓸쓸한 가을바람과 바스락대는 마른 낙엽이 느껴졌다.

세월이 흘러도 언제든 기억되는 감각이 담긴 그림, 인상주의는 생생한 느낌을 담아내기 위한 첫 시도였다.

인상주의 이후에는 인상주의 운동의 위기를 쇄신하려는 새로운 스타일이 탄생했다. 순수한 색상의 점들을 사용하는 점묘법은, 물체의 구조나 내적 표현이 중심이 되는 새로운 미술을 추구했다. 대표적으로 폴 시냑의 ‘라로셀’은 광학 과학과 시각 인식 이론의 정확한 색상을 밀도 있게 나열해 어딘가 환상적이면서도 현실적인 풍경을 그려냈다.

<모네에서 앤디워홀까지>는 단순한 작품 나열보다는 예술의 변화를 보여주는 필름 같았다. 그저 ‘그림을 많이 봤다’가 아닌, 시대에 따라 변화하는 예술의 흐름을 부드럽게 보여주었으며, 그림을 그려낸 화가의 눈으로 시대를 바라보게 했다.

총 9개의 주제로 이루어진 이 거대한 전시는 미술 애호가에게는 정리의 기회가, 초보 관람객에게는 입문의 계기가 되어준다. 서양 미술사 400년의 흐름을 따라가며 기대했던 거장들의 그림은 물론, 처음 접하는 다양한 작품을 만날 수 있었다.

순간을 붙잡고, 감정을 담아내고, 누군가와 소통하고자 하는 시도와 움직임은 아직도 유효하다. 시간이 지나도 살아 숨 쉬는 감정의 덩어리를 느끼는 듯한 기분, 사람들이 이토록 미술과 예술을 사랑하는 이유를 찾을 수 있는 전시 <모네에서 앤디워홀까지>는 올해 8월까지 세종문화회관 미술관에서 만나볼 수 있다.

전시 구성부터 오디오 가이드까지 완벽했던 이번 전시! 상당한 인기에 대기와 관람 환경에 변화가 있을 수 있기에, 평일 관람을 추천한다는 말을 남기고 싶다.

<모네에서 앤디워홀까지>를 통해 단순히 눈으로 보는 미술사가 아닌 마음으로 통과하는 시간의 여정을 떠나보길 바란다.