클로드 모네, 피에르 오귀스트 르누아르, 조르주 쇠라, 폴 세잔, 폴 고갱 그리고 빈센트 반 고흐….

이름만 들어도 입이 쩍 벌어지는 혹은 미술에 관심없는 사람이더라도 알듯한

이들은 19세기 걸작품들을 만든 미술계의 거장들이다.

말을 조금 달리한다면, 예술의 황금시대 (golden age)라고 할 수도 있을 것 같다.

일반적으로 어떤 ‘주의(ism)’는 미술의 어떠한 한 가지 방향성을 표현할 때 쓰이지만,

이 시기는 다양한 사조의 등장으로 혼돈스럽지만

그렇기에 예술이 다원화될 수 있었던 핵심적인 시기라고 볼 수 있다.

그들은 예술의 발전이라는 공통된 이상향을 가지고 있었지만,

시대에 맞추어진 방향성은 각기 다르게 발전해 나아갔다.

 

예술은 자율적 현상이지만,

역사적/사회적으로 변화하는 제도로 파악해야 한다는 사회학적인 관점에서는

인상주의의 시기란 아주 흥미로운 시대가 아닐 수 없다.

 

1848년 2월 혁명으로 제2공화정이 수립되었고, 이어서 1952 제2제정이 수립되면서

파리는 조르주 외젠 오스망 (Georges-Eugène Haussmann) 남작의 주도 하에

프랑스 파리는 새로운 도시의 모습을 띄기 시작한다.

게다가 일본 문호개방으로 자포니즘이 유럽전역에 열풍 하기 시작하였고,

세계 만국 박람회가 개최되었다.

1870년도에는 제3공화정이 수립되었으며 1889년에는 귀스타브 에펠이 설계한 에펠탑이 건설되었다.

1895년은 최초의 ‘영화’가 상영되었고 1914년엔 제1차 세계대전이 발발하였다.

 

나열하기 입 아플 정도로 핵심적 사건이 연달았던 시기에 살던 예술가들은

그들의 시대를 어떻게 보았을까.

그리고 그 격동적인 변화 가운데 그들이 전하고 싶었던 핵심은 무엇이었을까.

 

이번 국립중앙박물관에서 전시되는 <오르세 미술관 展, 인상주의 그 빛을 넘어서>는

파리예술계의 급격한 변화의 시발점을 고스란히 보여주고 있다.

화가들은 야외에서 실제 주제를 대상으로 그림을 그리기 시작했고,

밝은 색채를 사용하며, 근대 삶의 주제로 작품을 그리기 시작했다.

 

이번 전시는 그들이 만들어내는 시대의 격동과 변화 그리고 색채의 미학을 엿볼 수 있는 좋은 전시가 될 것이다.

 

 

 

 

<양산을 쓴 여인>, 클로드 모네 ,1886

클로드 모네는 대표적인 빛을 표현한 외광회화 작가이다.

그는 그리고자 하는 것을 가장 단순한 형태로 묘사하여 빛이 만들어내는

순간적인 느낌을 묘사하는 데에 천재적인 실력을 발휘한다.

색감과 형태가 무너진 가운데 느껴지는 은은한 선은 백일몽같은 분위기를 연출하고

작품 속 여인 (모네의 두 번째 부인인 알리스의 딸 수잔 오셰데이)은 마치 불쑥 튀어나와 움직일 것만 같다.

그리고 그녀의 날리는 스카프와 구름은 마치 내가 산책 중 바람에 휘감기게 된 듯한 환상에 빠지게 한다.

 

 

 

 

 

<조스 베르넹 젠 부인과 아들 앙리>, 피에르 오귀스트 르누아르, 1910

 

그림을 그리는 것을 무척 사랑한 르누아르를 떠올리면 그가 사람을 바라보는

특히 여인을 바라보는 따스한 애정이 느껴진다.

그에게 주목해야할 점은 빛과 색채의 미학을 작품에 그대로 반영한 사람이라고 칭할 수 있는데,

모델을 피부들을 바라보면 그 당시 부패된 살의 색깔이라고 알려진 초록, 자줏빛을 사용한 것을 알 수 있다.

하지만 관람객들은 그 컬러들의 조화를 통해 부패된 살이라는 감정보다는 모델에게

생동감과 빛에 투영된 여인의 모습을 더 가까이 느끼게 된다.

반대로 이 위의 <조스 베르넹 젠 부인과 아들 앙리>의 작품의 경우

검은색과 붉은색의 제한적인 색조로 채색하고 있음에도

표현하고자한 모자의 호사스러움이 절실히 들어난다.

 

 

<저녁무렵의 아비뇽>,폴 시냐크, 1909

 

 

전통적인 교육을 받지는 않았으나, 조르주 쇠라의 분할기법을 적극적으로 시도하였다.

이번 전시에서는 폴 시냐크의 유명작인 교황청 시리즈에서

<저녁 무렵의 아비뇽(아비뇽 교황청)>이 전시 된다.

따뜻한 석양의 인상을 그려내어 저물어가는 태양빛이 성벽을 붉게 물들이는 장면을 표현했으며,

따뜻한 색조로 성벽의 색을 분산시켜 표현하였다.

성벽의 색은 그늘이 드리워져 있는 수풀의 어두운 색과 대비를 이루며 전경에서

론 강 표면에 비치는 분홍빛 구름으로 연장된다.
따뜻한 색조로 이루어지고 있지만 알 수 없는 쓸쓸함이 표현되는 듯 한 이 작품은

어쩌면 따사로이 표현한 성당을 수풀과 대비시켜 당시의 시대를 풍자하려는 노력은 아니었을까

하고 감히 생각해본다.

 

 

<노란 건초더미>,폴 고갱, 1889

 

 

그는 외광에 집중한 다른 인상주의자들과 달리 내면을 표현하려고 했던 작가이다.

그렇기 사후가 돼서야 유명해진 작가로, 두 번째로 퐁타방에 체류하던 시기에

형태가 단순하고 색이 임의적이며 상징적으로 사용하는 종합주의라는 이론을 개발하기도 하였다.

이 작품은 브르타뉴를 찾았을 때 그린 작품으로 시골스러운 느낌 그대로의 사람들과 옷차림이

그의 관심을 끌었고 이 작품은 그가 윤곽을 잡기 위해 애쓴 종합주의의 초기작중 하나이다.

 

<시인 외젠 보흐>,1888, 빈센트 반고흐

 

 

반고흐는 우리에게 너무 익숙한 작가이다.

그는 화가의 환영적 시각을 작품에 반영하였다.

불안정한 원근법, 색과 검은 윤곽선 등이 그의 작품에서 드러난다.

외젠 보흐는 벨기에 출신의 화가로 그의 특이한 외모는 반 고흐의 마음을 사로잡았다고 한다.

그는 동생 테오에게

라고 하며 작품을 그리기 시작했다.

 

 

 

Nabis는 히브리어로 ‘예언자’라는 뜻이다.

상징주의와 폴 고갱에서 영감을 받은 새로운 예술기법을 창조하고 싶은 열망을 가진

작가들의 우정으로 엮인 집단으로 1880년대 말에 등장하게 되었다.

단순하고 주관적인 예술관으로 이들을 통해 순수미술과 장식미술 사이 경계가 허물어지게 되는 계기가 된다.

이들은 기존의 외광회화에 치우쳤던 인상주의 화가들을 비판하는데,

대표적인 나비파 이론가인 모리스 드니는 외광회화를 격렬하게 비판했다.

나비파는 본질을 포착하기 위해 현실이 아닌 상상을 바탕으로 한 대안적인 예술관이라고 볼 수 있으며,

스테인드글라스 창문에서 영감을 받기도 하였다.

그들은 연극무대세트,포스터,태피스트리 디자인등 모든 형식의 예술을 포용하였다.

1903년 나비파를 후원해온 <라르뷔 블랑슈 (La Revue Blache)>가 폐간하면서 자연스럽게 해체하게 되었다.

 

 

인상주의 화가들이 우리가 지금 알고 있는 ‘예술’의 개념을 형성한 주인공들이라 하여도 과언이 아니라고 생각한다. 이전의 예술이라는 개념은 ‘솜씨, 기술’의 개념이었다. 클로드 모네의 말처럼 좋은 작품을 그리는 화가는 그저 훌륭한 장인에 그쳤을 뿐이다. 하지만 인상주의 화가와 같은 전위세력들은 예술을 어떠한 담론을 가지고 있는 신성시한 존재로 예술 그자체의 위상을 높이는 데 기여하였다. 더 이상 예술은 누구나 할 수 있는 재능이 아닌, 하늘로부터 부여받은 특수한 재능을 가진 자들의 작품이 된 것이다. 실제로 영어에서는 Art 보다 Fine art 라는 단어가, 독일어에서는 쿤스트 Kunst에서 쇠네 쿤스트 Schone Kunst로, 불어에서는 Arts 가 보자르 Beaux arts 와 같은 새로운 개념의 예술을 설명하는 단어가 등장했으니 말이다.

이와 같이 인상주의 화가들은 예술이라는 개념과 그 격을 높인데 에 공헌한 점은 무수히 많다. 이 가운데 현재 21세기의 우리시대는 예술이 누구나 할 수 있는 기술이기도 하고 신성한 작품이기도 한 것을 보면 세기 별로 예술 세계(art world)의 범위는 점차 광범위해지는 것 같다. 19세기부터 20세기가 이끌어온 이 예술의 물결을 새롭게 도전하여 변모하고 있는 21세기 예술. 과거와 달리 우리 시대는 더 이상 그동안의 패러다임을 완전히 뭉개버리는 진정한 전위세력들은 없을지도 모른다. 하지만 다른 방향으로 예술은 끊임없이 아방가르드(avan-garde)가 등장하고 있다. 어쩌면 대중예술이라는 것 자체도 그러한 방향 중 하나가 아닐까. 인상주의 작품들을 바라보며 앞으로 예술은 어떤 모습으로 변화할지 사뭇 기대가 되기 시작했다. 인상주의 시기는 ‘역사’가 ‘예술’에 영향을 가장 많이 끼친 시기이자, ‘예술’이 ‘역사’의 흐름을 표현한 시기이기도 하다. 그렇기에 어느 때보다 그들만의 아우라(aura)가 가장 많이 묘사될 수 있는 시기가 아닐까 생각한다.

 

이번 국립 중앙박물관에서 개최되는 <오르세 전, 인상주의 그 빛을 넘어서>는 누구도 범접할 수 없는 19세기의 그들이 만들어낸 그들의 아우라를 가득 느끼기 위한 좋은 전시가 될 것이다.

 

 

 

장소 :국립중앙박물관 기획전시실
전시기간: 2014.05.03 ~08.31
관람시간 : 화,목,금 09:00 -18:00
           수,토 09:00 - 21:00
           일,공휴일 09:00 - 19:00
           월요일 휴관
관람권 발급시간 : 관람 종료 1시간 전까지

관람료 : 일반 12,000원 / 중고등학생 10,000원 / 초등학생 8,000원 / 유아 5,000원 / 65세 이상 6,000원

 

 

 

 

 

 

이예지(persona0111.blog.me)
참고
동굴벽화에서 뉴미디어까지 세계 미술의 역사, 시공아트
국립중앙박물관