아래는 팝아트에 대한 사전 정보다 (아트인사이트 전시 소개글에서 가져왔다)

팝아트의 시작

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파블로 피카소는 여러 신문의 부분들을 조합해 콜라주 작업을 하였다. 그리고 마르셀 뒤샹의 1917년 작품 <샘>은 이미 만들어져 있는 기성품 소변기를 작품으로 출품해 예술계에 엄청난 센세이션을 일으켰다. 이미 만들어져 있는 레디메이드 제품의 활용이라는 점에서 이들은 후에 도래하게 될 팝아트의 기반을 다졌다고 할 수 있다.

피카소와 뒤샹의 작업에서 영감을 받은 에두아르도 파올로치는 미국 잡지 선전물을 활용해 콜라주 작업을 하였다. 파올로치는 미국의 광고 선전물에 큰 흥미를 느꼈으며 그것들이 기존의 전통적 예술보다도 더욱더 대중과의 소통을 자아낸다고 생각했다. 그의 작업은 처음으로 행해진 팝아트적 요소가 만연한 작업이라고 할 수 있다. 이에, 그는 '팝아트의 천재', '팝아트의 선구자'로도 불린다. 그의 콜라주에서 처음으로 팝! (POP!) 이라는 용어가 사용되었다.

2차대전의 발발과 함께 서구 경제가 부상하며 세계의 글로벌화가 시작된 시기인 1950-60년대의 중심에 서 있던 예술사조는 대중미술, popular art, 줄여 말해 팝아트였다.

대중매체와 광고에서 영감을 얻어 탄생한 예술사조인만큼 그 기원은 전통적인 작품 제작 방식을 부인하고 새로운 것을 탐미한 다다이즘으로 거슬러 올라가는데, 본격적으로 1950년대에 들어 추상표현주의에 대적하는 새로운 예술 트렌드로 영국에서부터 그 시작을 알린다.

1962년 영국의 미술평론가인 로렌스 알로웨이가 특정 젊은 예술가들이 유명한 이미지를 차용하여 작품활동을 한 것을 빗대 처음으로 사용하였다. 그러나 비로소 본연의 특색을 갖추고 본격적인 부흥기를 맞이한 건 미국으로 전파된 후이다. 그것이 바로 우리가 아메리칸 팝아트를 기억하는 이유이다.

미국의 팝아트

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타임, 라이프 지, 뉴욕 위크 등 주요 잡지들이 앞다퉈 팝아트에 대한 글을 기재했으며, 다른 예술사조와는 다르게 팝아트는 현대미술관이나 미술평론가로부터 평가를 받기도 전에 대중매체를 통해 먼저 각인 되었다. 그도 그럴 것이 미국의 풍경을 뒤덮은 광고판과 만화에 영감을 받아 마릴린 먼로나 존 에프 케네디 같은 유명인사나 켈로그, 헤인즈, 켐벨 등 유명 브랜드들이 슈퍼마켓 선반 위가 아닌 갤러리의 벽에 전시되면서 당시 할리우드 스타들에 대한 우상화나 소비사회 속 제품들의 대량생산을 대변하는 60년대 문화적 환경의 특징을 반영하였다.

거리로 나온 미술(하이팝)

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여느 미술 사조가 그랬듯 팝 아트 역시 시대의 거울로써 화려하지만 빛 바랜 영광 속에 존재하는 현대사회 속의 집착을 반영하였다. 그러한 정신은 21세기 화가들에게도 계승되고 있고, 현대에도 그 영향력은 지속 되고 있다. 팝 아트가 살아남은 근본적인 요인은 무엇일까?

대중적이고 민주적인 정신. 재치 있고 유머러스 함. 그런 친숙함이 성스럽고 고매한 가치에 갇혀있던 현대미술의 묘미를 소수뿐만이 아닌 대다수가 즐길 수 있게 해주었기 때문이 아닐까? 즉, 고급문화와 저급문화의 경계가 모호해짐으로써 미술관 속 작품을 채우는 건 아름다운 인상파 화풍의 풍경만이 아닌 우리 주변의 사물, 공간, 내 주위에서 벌어지는 일들. 그런 일상들. 이기 때문이 아닐까? 이번 전시를 통해 여러 친숙한 이미지로 아메리칸드림의 어두운 이면을 드러낸 다섯 명의 팝 아트 선구자들의 작품을 감상하면서 그들의 시간과 공간이 어떻게 다시 미술관으로 들어올 수 있었는지, 또한 일상이 어떻게 예술이 되어 미술관 벽에 걸릴 수 있게 되었는지, 그 과정과 이해관계를 통찰하는 시간을 가져 보길 바란다.